"Etel Adnan est au coeur de l'histoire humaine dans son immédiateté, ses contours surprenants, ses défaites, ses deuils, ses éclats d'imaginaire, sa solidarité. Elle est au coeur du combat poétique, elle affine l'arme de l'art pour mieux vivre et appréhender le monde. Sa poésie est fondatrice à la manière de la Beat Génération, mais avec une conscience plus aiguë, plus radicale. Et cela s'explique : la beauté sans nom et le martyr du monde arabe moderne sont au coeur de son cantique qui traverse les consciences et les civilisations." (extrait de la préface de Michel Cassir).

Rodolphe, roi de Bohême, pour carnaval, voulut le plus beau des corbeaux. - Je créerai le roi des oiseaux ! promit Arcimboldo qui avait déjà peint des fruits, des fleurs, des coquillages, et même un amiral. Le roi reçut des mains du peintre le portrait du roi des corbeaux...

Une idée répandue voudrait qu'il n'y ait pas d'héroïnes noires au répertoire et par conséquent pas vraiment de grands rôles au théâtre pour les comédiennes afro-descendantes. Mais est-ce bien vrai ? Occultation, invisibilisation, décoloration... les figures théâtrales à la peau sombre ont disparu du paysage dramatique avec l'histoire coloniale, c'est ce qu'entreprend de montrer cet ouvrage qui part sur les traces de ces héroïnes du répertoire moins blanches qu'on ne croit. De quoi renverser dénis et préjugés et relire autrement le répertoire.

C'est à travers une analyse poussée de sa filmographie que cet ouvrage montre comment le réalisateur américain Jim Jarmusch éloigne le spectateur du monde, en parvenant à créer une distance qui lui permet de changer son regard. L'auteur met ici en avant les questions politiques sur le travail, la désindustrialisation ou encore l'anomie soulevées par ses films. Plus encore, c'est au-delà du détour esthétique que Jarmusch parvient à s'adresser au monde intime du spectateur, interrogeant sa solitude et sa difficulté à être soi.

Dans l'univers résolument blanc du cinéma français, comment se rendre visible en tant que femme noire et actrice ? Quelle place leur est donnée à l'écran ? L'étude des personnages féminins noirs dans le cinéma français contemporain en donne un aperçu : les rôles périphériques, stéréotypés et marginalisés se bousculent. Cet ouvrage enquête sur l'histoire des représentations au travers d'une étude exhaustive des rôles interprétés par ces femmes et d'une analyse détaillée du parcours de trois actrices contemporaines. Il aborde la complexité d'exercice de ces actrices tiraillées entre le besoin de travailler et l'idée de contribuer malgré elles à faire perdurer ces représentations stéréotypées.

Début 1990, la série télévisée de David Lynch, Twin Peaks, crée l'événement. L'idée que le créateur novateur et sulfureux d'Eraserhead (1977) et de Blue Velvet (1986) travaille pour l'industrie du petit écra, étonne. D. Lynch, pourtant, séduit : il révolutionne le concept et l'écriture de feuilleton de télévision. Une vingtaine d'années plus tard, en 2017, le réalisateur revient à Twin Peaks pour la troisième saison intitulée Le Retour. Entre-temps, il y aura eu TWin Peaks : Fire walk with me (1992), oeuvre de cinéma magistrale qui restera longtemps un film incompris et méprisé, maintenant unanimement réévalué. Par l'exploration de ses dimensions culturelles et esthétiques, Twin Peaks et ses mondes cartographie l'univers et le réseau édifiés pour signaler la cohérence de la vision qui les signe. L'auteur de cet ouvrage a grandi avec Twin Peaks, le destin de ses paysages et de ses personnages. L'essai écrit par Jean Foubert est aussi l'histoire intime d'un cheminement critique.
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Cette étude prend appui sur les trois premiers films kabyles, La Colline oubliée, d'Abderrahmane Bougermouh (1996), Machaho, de Belkacem Hadjadj (1996), La Montagne de Baya, d'Azzedine Meddour (1997), et se poursuit avec le premier film chaoui, La Maison jaune d'Amor Hakkar (2008), avant de faire un détour vers le cinéma berbère marocain, aux côtés de Mohamed Mernic. L'auteure s'intéresse tout naturellement au contexte politique et social ayant accompagné la naissance des oeuvres et aux requêtes des Imazighen les ayant précédées.

La salsa, en voilà une danse qui recèle beaucoup de facettes : un art de se mouvor qui puise sa beauté dans un patrimoine gestuel qui s'est constitué au fil du temps pour créer ce que l'on pourrait nommer aujourd'hui "l'expression salsera". Ce livre retrace sa longue histoire, tout en couleurs, en analysant le contexte d'apparition des mouvements qui la composent, l'évolution dont ils ont fait l'objet et la philosophie dont ils s'imprègnent, apportant ainsi une définition de la salsa en termes de danse.

Pendant longtemps, il n'y a eu que peu de réalisatrices en Espagne. Ce n'est qu'à la fin de la dictature franquiste et pendant la Transition que plusieurs femmes cinéastes parviennent à tourner des films dont l'importance dans l'histoire de la cinématographie espagnole est à présent reconnue. Au fil des décennies, de nouvelles générations de réalisatrices ont vu le jour et ont désormais acquis une certaine notoriété en Espagne, grâce notamment à l'évolution de la législation cinématographique.
Cet ouvrage retrace la lente reconnaissance dont jouissent à présent les réalisatrices espagnoles et propose une série d'études concernant certaines d'entre elles, de la Transition jusqu'à aujourd'hui. Certains films, de fiction ou documentaires, parmi les oeuvres les plus représentatives de Cecilia Bartolomé, Pilar Miró, Helena Lumbreras, Iciar Bollain, Mercedes Álvarez, Neus Ballús, Carla Subirana, Carlota Pereda, Mar Coll, Oliva Acosta ou Isabel Coixet sont ainsi interrogés par plusieurs spécialistes du cinéma espagnol.
Les études ici présentées s'attachent à dégager les spécificités tant stylistiques que thématiques de leurs films et mettent aussi en avant le caractère féministe de certaines de leurs productions. Lire la suite Fermer

Après avoir retracé l'évolution historique et culturelle de la danse occidentale, l'auteure expose l'essor de sa fonction thérapeutique. Elle évoque ainsi l'éventail des techniques et pratiques, les processus psycho-dynamiques et les références théoriques qui fédèrent cette diversité et qui permettent son introduction au sein des thérapie adaptées aux sujets en souffrance (handicapés physiques ou mentaux, enfants, adultes, 3è âge...) ou simplement en désir de développement personnel.

Glauber Rocha, à peine âgé de 24 ans, mais déjà auteur de Barravento (1961), est en pleine réalisation de Le Dieu noir et le diable blond quand il publie Révision critique du cinéma brésilien en 1963. Malgré le véritable désert en livres d'histoire ou d'esthétique du cinéma qu'il affronte alors, le jeune créateur, producteur, journaliste et critique, cherche cependant à se situer dans une histoire du cinéma national et mondial. C'est ainsi qu'il dégage une ligne directrice lui permettant de désigner Humberto Mauro comme le père du cinéma brésilien. Il n'épargne guère la tentative d'industrialisation de la Vera Cruz, ni la production de chanchadas, pour exposer ce que devrait être le vrai cinéma selon lui. Théoricien, polémiste et militant, il définit les caractéristiques du cinema novo en train de naître, avant d'être stoppé par le coup d'État de 1964. L'édition que Sylvie Debs a très judicieusement choisie de traduire ici est celle d'Ismail Xavier_ le plus éminent interprète de Glauber Rocha _ enrichie, qui plus est, par une préface de Paulo Antonio Paranagua, historien du cinéma et journaliste, grand passeur des cinémas d'Amérique latine en France. Lire la suite Fermer

Ce livre se propose d'analyser les influences étrangères qui se sont exercées sur le cinéma iranien, depuis ses débuts tardifs, à la veille du parlant, jusqu'au déclenchement de la révolution islamiste. Il distingue les influences des cinémas des pays voisins (arabo-turcs et indiens), puis s'attarde sur celle du cinéma américain des années 50 et 60 et de la Nouvelle Vague française. L'auteur montre comment un cinéma sous influences a pu servir de terreau à l'éclosion d'un cinéma national.

Harold Pinter est l'un des dramaturges britanniques les plus importants de la deuxième moitié du XXe siècle. Il fut également un scénariste remarquable, travaillant avec les plus grands réalisateurs et les plus grands acteurs de son époque. Cependant, ses scénarios sont beaucoup moins connus que ses pièces de théâtre. C'est donc à ses dix-neuf adaptations de romans que l'on s'intéressera ici.

L'auteur, spécialiste du jazz des années 1950 et 1960, présente ici une sélection d'enregistrements de cette période.
Elle vise à mieux témoigner de toute la charge affective et émotionnelle que porte en elle cette musique, tout en lui restituant ses singularités. Celles-ci sont aussi bien harmoniques que rythmiques, mais aussi inscrites dans une dynamique historique en longue période.
Ce qui revient à soulever en conclusion des questions sur la part que tiennent, dans cette musique, les racines africaines, les églises noires, ou les aspirations aux droits civiques.

Le capverdien est la langue maternelle de plus d'un million de personnes, vivant en République du Cap-Vert ou originaires de ce pays. Le créole capverdien tire une grande partie de sa substance du portugais, mais il contient de nombreux mots et structures grammaticales issues de diverses langues africaines. Ce livre fait le point sur l'importance de cet élément africain présent dans la langue capverdienne.

Le niveau de difficulté acrobatique présent de nos jours dans les réalisations du domaine du spectacle, impose aux structures pédagogiques une gestion des carrières et des entraînements très étudiée. Les élèves "futurs artistes" doivent être placés dans des processus d'entraînement identiques à des sportifs de haut niveau. L'encadrement, les contenus d'entraînement et la gestion temporelle de leur carrière doivent être pris en charge très tôt, afin que leur condition de réussite soit optimale. Une étude sur la façon de mener un entraînement de haut niveau dans le domaine de l'acrobatie.
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Un puissant mouvement contemporain de création chorégraphique se développe en Afrique. La compagnie Salia nï Seydou s'y inscrit, parmi les plus remarquées sur le plan international. Cet ouvrage s'attache à cerner la démarche artistique que développent les membres de cette compagnie et met en lumière des éléments d'histoire chorégraphique moderne au Burkina Faso, des voies problématiques de transmission des techniques européennes de danse, des enjeux économiques et géopolitiques...

Ce premier volume consacré aux créateurs du Studio Ghibli constitue un triple pari : s'intéresser à Takahata, le moins connu des deux auteurs, qui fit pourtant basculer le dessin animé de long métrage dans la modernité (Hols "Horus", prince du soleil), permettre aux amateurs d'animation d'apprécier le travail de mise en scène. Enfin, de considérer ces artistes en tant que cinéastes à part entière.

L'oeuvre prolifique d'Alain Cavalier, témoigne d'une singularité dans le cinéma mondial et apporte un regard nouveau sur la manière de faire des films. Cet ouvrage s'interroge sur ce qu'il y a de commun entre les tournages dits "industriels" avec les grandes stars de l'époque telles que Romy Schneider, Jean-Louis Trintignant, Alain Delon ou encore Catherine Deneuve, et ceux réalisés par exemple il y a cinq ans, seul, sans équipe technique, en face à face avec les "Braves", Raymond Lévy ou Jean Widhoff.

Cet ouvrage regroupe la traduction d'articles que Gabriela Zapolska, actrice, dramaturge et journaliste, destinait à ses lecteurs en Pologne, alors qu'elle séjournait en France. Ils portent sur l'Art, le théâtre, Paris et la Bretagne. Textes traduits et commentés par Elzbieta Koslacz-Virol, Danuta Knys-Tomaszewska et Arturo Nevill.

"Dans le contexte de la représentation du génocide, les débats ont pris un deuxième souffle avec la remise en question du rôle et des capacités de l image face au caractère crucial du sujet. L image fixe ou mobile, au cinéma, dans la BD et la littérature est-elle susceptible de transmettre la Vérité dans le cadre du génocide ? Le cinéma permet de poser et de reposer la question de la représentation possible de cet évènement, et de son lien avec la réalité ? Puis viendra le lien avec la fiction, la bande dessinée et l oeuvre littéraire ou philosophique."

De 1911 à 1975, un acteur lia sa vie au Théâtre du Peuple de Bussang, théâtre familial bâti dans les Vosges et qui, sous l'impulsion de Maurice Pottecher, connut un essor prodigieux. Cet acteur, c'est Pierre Richard-Willm, un artiste complet au destin prodigieux. Devenu dans les années 30 une immense vedette de l'écran, il renonça complètement au 7e art pour succéder à Maurice Pottecher. Cet ouvrage met en lumière la part de l'acteur, metteur en scène, décorateur et costumier dans l'évolution de ce théâtre unique qui ouvrit la voie au TNP de Jean Vilar. L'auteur restitue cet étonnant parcours artistique.

"Ce livre est une belle leçon de théâtre pour tous les jeunes artistes, un recueil d histoires extraordinaires, pour que la création hors les murs puisse se poursuivre et se nourrisse aux sources de leurs imaginaires. Les auteurs, des amoureux fous du Théâtre et particulièrement du Théâtre de rue, nous communiquent la vibration de chaque idée, le parfum de chaque mot, le feu qui les brûle toujours."

"Cet ouvrage revisite l histoire du cinéma sénégalais et le legs de Sembène Ousmane. La jeune génération de cinéastes et celle de l avenir doivent connaître leur histoire, l histoire du cinéma sénégalais, en garder une mémoire vivante source d inspiration. Ce livre arrive au moment de la relance d une Industrie Cinématographique et Audiovisuelle durable au Sénégal depuis 2013."